宋代山水画的“淡雅”之美
【摘要】在艺术大发展的宋代，山水画也迎来了春天，其艺术特色与魅力对后世产生了深远影响。“平淡”与“高雅”不仅是当时社会审美思想的主流，也是宋代山水画独特的艺术魅力；不仅是对待艺术的观点，更是一种对待人生的态度。这便是宋代山水画的美，也是中华艺术的美。
【关键词】平淡 高雅 山水画
五代末，宋太祖赵匡胤发动“陈桥兵变”而建立宋朝，结束了中原地区长达半个多世纪的动乱局面。赵宋王朝建立后，社会稳定、经济发达、文化昌盛，文学艺术迎来了发展的黄金期。如果说秦汉艺术浑厚与磅礴、魏晋艺术风度与思辨、盛唐艺术富贵与堂皇，那么宋代艺术则是高雅与平淡，这“一雅”“一淡”共同构成了宋代的艺术特色。山水画的真正独立，大概在中唐前后，到宋元时期发展至高峰。而宋代山水画正是以其平淡与高雅散发着独特的艺术魅力。
一、平淡之美
平淡不同于平庸与淡而无味，而是深厚的感情和丰富的思想用朴素的语言说出，富有情味的、不加修饰的质朴。宋代山水画中的“平淡”与当时社会背景有着很大关系，对科举考试的重视、对待文人的优厚待遇，以及“不杀士大夫”的法令，让士大夫阶层得到极大发展。以往的高官重臣大多来自于门阀士族的上层社会，而宋代的高官重臣则大多来自于世俗的地主士大夫阶层，“不同于少数门阀贵族，经由考试出身的大批士大夫常常由野而朝，由农而仕，由地方而京城，由乡村而城市”，[1]他们对山川丘壑、乡村田野有着真挚的感情与真实的感受。“中国山水画不是门阀贵族的艺术，而是世俗地主的艺术。”[2]这一阶层的发展与壮大，对社会产生越来越大的影响，他们的喜好与兴趣被世人所追捧，成为社会审美的主流，这种“平淡”影响着山水画的发展，使山水画有了一种与广大受众交流、对话的亲切感与普遍性，把绘画这一属于上层社会的艺术，变为大众共同欣赏的艺术。在作品中，没有了远离大众生活的绘画题材，有的只是自然万物中随处可见、可观、可游的山川、丘陵、田野、河流，而存在于山水中的人物也不再是辛苦地劳作，而是闲散地劳动。
气韵生动是绘画创作的最高境界，其来自于六朝时谢赫提出的人物绘画六法（气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写），随后，历代都有对其六法的延续与拓展。其中，荆浩提出了山水画的六气，即气、韵、思、景、笔、墨，把这种绘画的精髓“嫁接”到了山水画中，使其有了“美”的存在。气是绘画的内在魅力，不同的“气”带给人不同的感受，产生不同的魅力；韵是绘画表现出的外在活力，同音乐一般，有舒缓有紧张，有高潮有低落，在音符间跳动，在指尖间飞舞，共同构成了绘画景物与空间、节奏之间的美。气与韵是作者手法与思想的表达，也是“淡美”的体现，把山水画提升到了一个新的高度，赋予了另一种新生，使绘画开始由唐代的“绚烂美”转变为“平淡美”，把对事物的直接刻画放到了次要位置，而重在以景叙情，加入思想情感，景意一体、浑然天成。不是简单地把思想寄景物于外在，而是深深地蕴含在景物的内心深处，在不经意间受到感染，在平淡中传达出作者想要表达的思想韵味。在山水画中，可以看到山、水没有变得很抽象，而是进行一种真实的概括，那气势雄伟的山川、烟雾缭绕的风景，真是“来源于生活，而又高于生活”。
二、高雅之美
在宋代文学艺术中，“雅”几乎无处不在，与斑斓的色彩、华丽的辞藻相比，“雅致”似乎更受各艺术门类的喜爱，是宋人自觉追求的一种理想审美风格。欧阳修的《醉翁亭记》中，没有华丽的辞藻，没有刻意的句式，只是随意挥洒，却扣人心弦、优雅至极。宋瓷中，无论是造型还是釉色、花纹，无不以其古朴深沉、素雅简洁彰显着魅力。宋代山水画中“雅致”的蕴含，散发着异样的光彩。
北宋后期，绘画之风有了很大变化，皇家贵族的喜爱，加之宋徽宗的亲自参与，使得绘画审美变成追求细节的逼真写实，所谓的“孔雀升高必先举左”以及“月季四朝暮、花蕊不同”等故事都体现了写实的表现，尤其是院体画派对画风的影响更是把追求细节推向极致。但是，这种画风并没有使其变得庸俗、繁琐，相反，其在寻求与诗的结合，把诗融入画中使诗中有画、画中有诗，细致小景的描绘不再变得无趣，而是有了一种“雅致”蕴含其中。诗画相融孕育了宋代山水画另一种新的风格，给予了其另一个发展空间。不同于前期山水画的“大、满、势”，而向着后期“精、丽、雅”的方向发展。这一时期局部、细节的描写增加，构图的安排上明显更为在意在有限的空间内表达无限的诗情画意，犹如古代私家园林，一步一景、借景生情，在这里，我们可以说是一寸一景、以图抒情。画面的主题也不再是大气磅礴的山、水、树，而是以半截枯枝、一角湖水变为画面的主题。构图上，“由于这种山水诗选择有局限的自然景色的某个不凡的某些对象，北宋画那种地域性的不同特色明显消退。哪里没有一角山水、半截树枝呢？描绘的具体景物尽管小一些，普遍性反而更大了，抒发的情感尽管更确定一些，却更鲜明更浓烈了”。[3]这小小的一景中融入了浓浓的诗意，提升了作品的“雅致”美感。我国许多诗人不也正是借喻小景来增添诗的“雅致”吗？如李白的诗：“床前明月光，疑是地上霜。举头望明月，低头思故乡。”正是那小小的一景，却带给人无限遐想，成为千古绝唱。
结语：
综上所述，宋代追求的审美，已不是纯粹的艺术形式，而是一种对生活、对人生的态度。简单、平淡为之美，秀丽、诗情为之雅，就像独具“四清”的兰花一样（气清、色清、神清、韵清），给人以高洁、清雅的优美形象。没有了绚丽的色彩，一切都是那么的自然、和谐，润物细无声。“它不是汹涌澎湃的洪波巨浪，裹挟着众多的波涛向前奔腾；而更像一泓汩汩前行的河水，在缓缓流动中显露出韵味悠长的环环涟漪。”[4]这也许是对宋代艺术特色最贴切的概括。
山水画从宋代之初到后期的发展，“淡雅”之风一直是艺术审美的主流，其影响、推动了中国山水画的发展，由外向、华丽的审美转为平淡、高雅的审美。宋代山水画的艺术特色如同饱经风霜的年轻人一样，质朴淡雅却又意气风发，感染着我们、影响着我们，犹如春雨一般，悄悄地滋润着我们的心灵。正如宗白华先生所说：“一切艺术的美，以至于人格的美，都趋向玉的美：内部有光彩，但是含蓄的光彩，这种光彩是极绚烂，又极平淡”。[5]
参考文献：
[1][2][3]李泽厚.美的历程[M].天津：天津社会科学院出版社，2009.
[4]张岱年，方克力.中国文化概论[M].北京：北京师范大学出版社，2009.
[5]宗白华.美学散步[M].上海：上海人民出版社，2011.
【关键词】平淡 高雅 山水画
五代末，宋太祖赵匡胤发动“陈桥兵变”而建立宋朝，结束了中原地区长达半个多世纪的动乱局面。赵宋王朝建立后，社会稳定、经济发达、文化昌盛，文学艺术迎来了发展的黄金期。如果说秦汉艺术浑厚与磅礴、魏晋艺术风度与思辨、盛唐艺术富贵与堂皇，那么宋代艺术则是高雅与平淡，这“一雅”“一淡”共同构成了宋代的艺术特色。山水画的真正独立，大概在中唐前后，到宋元时期发展至高峰。而宋代山水画正是以其平淡与高雅散发着独特的艺术魅力。
一、平淡之美
平淡不同于平庸与淡而无味，而是深厚的感情和丰富的思想用朴素的语言说出，富有情味的、不加修饰的质朴。宋代山水画中的“平淡”与当时社会背景有着很大关系，对科举考试的重视、对待文人的优厚待遇，以及“不杀士大夫”的法令，让士大夫阶层得到极大发展。以往的高官重臣大多来自于门阀士族的上层社会，而宋代的高官重臣则大多来自于世俗的地主士大夫阶层，“不同于少数门阀贵族，经由考试出身的大批士大夫常常由野而朝，由农而仕，由地方而京城，由乡村而城市”，[1]他们对山川丘壑、乡村田野有着真挚的感情与真实的感受。“中国山水画不是门阀贵族的艺术，而是世俗地主的艺术。”[2]这一阶层的发展与壮大，对社会产生越来越大的影响，他们的喜好与兴趣被世人所追捧，成为社会审美的主流，这种“平淡”影响着山水画的发展，使山水画有了一种与广大受众交流、对话的亲切感与普遍性，把绘画这一属于上层社会的艺术，变为大众共同欣赏的艺术。在作品中，没有了远离大众生活的绘画题材，有的只是自然万物中随处可见、可观、可游的山川、丘陵、田野、河流，而存在于山水中的人物也不再是辛苦地劳作，而是闲散地劳动。
气韵生动是绘画创作的最高境界，其来自于六朝时谢赫提出的人物绘画六法（气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写），随后，历代都有对其六法的延续与拓展。其中，荆浩提出了山水画的六气，即气、韵、思、景、笔、墨，把这种绘画的精髓“嫁接”到了山水画中，使其有了“美”的存在。气是绘画的内在魅力，不同的“气”带给人不同的感受，产生不同的魅力；韵是绘画表现出的外在活力，同音乐一般，有舒缓有紧张，有高潮有低落，在音符间跳动，在指尖间飞舞，共同构成了绘画景物与空间、节奏之间的美。气与韵是作者手法与思想的表达，也是“淡美”的体现，把山水画提升到了一个新的高度，赋予了另一种新生，使绘画开始由唐代的“绚烂美”转变为“平淡美”，把对事物的直接刻画放到了次要位置，而重在以景叙情，加入思想情感，景意一体、浑然天成。不是简单地把思想寄景物于外在，而是深深地蕴含在景物的内心深处，在不经意间受到感染，在平淡中传达出作者想要表达的思想韵味。在山水画中，可以看到山、水没有变得很抽象，而是进行一种真实的概括，那气势雄伟的山川、烟雾缭绕的风景，真是“来源于生活，而又高于生活”。
二、高雅之美
在宋代文学艺术中，“雅”几乎无处不在，与斑斓的色彩、华丽的辞藻相比，“雅致”似乎更受各艺术门类的喜爱，是宋人自觉追求的一种理想审美风格。欧阳修的《醉翁亭记》中，没有华丽的辞藻，没有刻意的句式，只是随意挥洒，却扣人心弦、优雅至极。宋瓷中，无论是造型还是釉色、花纹，无不以其古朴深沉、素雅简洁彰显着魅力。宋代山水画中“雅致”的蕴含，散发着异样的光彩。
北宋后期，绘画之风有了很大变化，皇家贵族的喜爱，加之宋徽宗的亲自参与，使得绘画审美变成追求细节的逼真写实，所谓的“孔雀升高必先举左”以及“月季四朝暮、花蕊不同”等故事都体现了写实的表现，尤其是院体画派对画风的影响更是把追求细节推向极致。但是，这种画风并没有使其变得庸俗、繁琐，相反，其在寻求与诗的结合，把诗融入画中使诗中有画、画中有诗，细致小景的描绘不再变得无趣，而是有了一种“雅致”蕴含其中。诗画相融孕育了宋代山水画另一种新的风格，给予了其另一个发展空间。不同于前期山水画的“大、满、势”，而向着后期“精、丽、雅”的方向发展。这一时期局部、细节的描写增加，构图的安排上明显更为在意在有限的空间内表达无限的诗情画意，犹如古代私家园林，一步一景、借景生情，在这里，我们可以说是一寸一景、以图抒情。画面的主题也不再是大气磅礴的山、水、树，而是以半截枯枝、一角湖水变为画面的主题。构图上，“由于这种山水诗选择有局限的自然景色的某个不凡的某些对象，北宋画那种地域性的不同特色明显消退。哪里没有一角山水、半截树枝呢？描绘的具体景物尽管小一些，普遍性反而更大了，抒发的情感尽管更确定一些，却更鲜明更浓烈了”。[3]这小小的一景中融入了浓浓的诗意，提升了作品的“雅致”美感。我国许多诗人不也正是借喻小景来增添诗的“雅致”吗？如李白的诗：“床前明月光，疑是地上霜。举头望明月，低头思故乡。”正是那小小的一景，却带给人无限遐想，成为千古绝唱。
结语：
综上所述，宋代追求的审美，已不是纯粹的艺术形式，而是一种对生活、对人生的态度。简单、平淡为之美，秀丽、诗情为之雅，就像独具“四清”的兰花一样（气清、色清、神清、韵清），给人以高洁、清雅的优美形象。没有了绚丽的色彩，一切都是那么的自然、和谐，润物细无声。“它不是汹涌澎湃的洪波巨浪，裹挟着众多的波涛向前奔腾；而更像一泓汩汩前行的河水，在缓缓流动中显露出韵味悠长的环环涟漪。”[4]这也许是对宋代艺术特色最贴切的概括。
山水画从宋代之初到后期的发展，“淡雅”之风一直是艺术审美的主流，其影响、推动了中国山水画的发展，由外向、华丽的审美转为平淡、高雅的审美。宋代山水画的艺术特色如同饱经风霜的年轻人一样，质朴淡雅却又意气风发，感染着我们、影响着我们，犹如春雨一般，悄悄地滋润着我们的心灵。正如宗白华先生所说：“一切艺术的美，以至于人格的美，都趋向玉的美：内部有光彩，但是含蓄的光彩，这种光彩是极绚烂，又极平淡”。[5]
参考文献：
[1][2][3]李泽厚.美的历程[M].天津：天津社会科学院出版社，2009.
[4]张岱年，方克力.中国文化概论[M].北京：北京师范大学出版社，2009.
[5]宗白华.美学散步[M].上海：上海人民出版社，2011.
